Wie LGBTQ+-Künstler den Raum erobern

Ein Gemälde von Alannah Farrell begrüßt Sie am Eingang des Hauses des Kunstsammlers Arushi Kapoor in Los Feliz. Das kühne Gemälde zeigt den Rücken eines fast nackten Körpers auf einer Couch. Die abgebildete Person trägt nichts außer einem Geschirr und Schlauchsocken.

Als wir ins Wohnzimmer zu Kapoors eigener Couch gehen, hängt eine große „Rasquache“-Regenbogenflagge von Rubén Esparza an einem Besen. An der gegenüberliegenden Wand ist Ricky Sencions „Ideencollage“ auf einer großen rosa Leinwand mit Cartoon-Schafen, Eis am Stiel und kursiven Phrasen materialisiert. Die Stücke sind alle Teil von Kapoors neuester Ausstellung „Decoding Americana's Queer Sensibilities“, die ihr persönliches Zuhause in eine Gruppenausstellung mit LGBTQ+-Künstlern verwandelte.

Fürs Protokoll:

10:06 Uhr, 28. August 2023In einer früheren Version dieses Artikels hieß es, dass Arushi Kapoor in Beverly Hills lebt. Kapoor lebt in Los Feliz.

Die von Kapoor und Steve Galindo kuratierte und am Freitag endende Show stellt die Frage, was als amerikanisch gilt, und drängt die Zuschauer dazu, die Definition um die multikulturelle und multidimensionale Landschaft zu erweitern – eine Landschaft, die kompromisslos queer ist. Die Entscheidung, sich an dem seit zwei Jahren bestehenden Projekt zusammenzuschließen, resultierte aus dem Interesse des Duos, unterrepräsentierte Stimmen in der Kunstszene von LA zu stärken.

„Mir wurde klar, dass es eine parallele Kunstszene für die LGBTQ+-Community gibt, die keinen vollständigen Zugang zur typischen Kunstszene der Museumskuratoren erhält“, sagte Kapoor.

Galindo konzentrierte sich darauf, die Beziehungen zu Community-Organisatoren, Kuratoren und anderen Galerien zu pflegen, um eine Reihe von Künstlern für die Gruppenausstellung zusammenzustellen. Zu den endgültigen Künstlern gehören Evangeline AdaLioryn, Farrell, Stuart Sandford, Little Ricky (alias Ricky Sencion), Mia Weiner, Sara Sandoval, Duane Paul, Naruki Kukita, Sophia Gasparian, Joey Brock, Miguel Angel Reyes und Ruben Esparza.

Galindo ließ sich von den LGBTQ+-Kunsträumen und Ausstellungen inspirieren, die sich organisch entwickelten, wie Esparzas „Queer Biennial“ und Guadalupe Rosales‘ Archivprojekte, die Chicano- und Latino-Ephemera aus den 1970er bis 1990er Jahren dokumentieren.

„Aus dieser Archivierungs- und Historisierungsarbeit entstand meine Leidenschaft, die trans- und nichtbinäre Community und queere Künstler zusammenzubringen“, sagte Galindo. „Ich möchte ihnen helfen, die Ebene zu erreichen, auf der ihre Arbeit historisiert und archiviert werden kann.“

Es gebe „hohe Eintrittsbarrieren“ in die Kunstwelt, insbesondere für unterrepräsentierte Künstler, sagte Kapoor. Ziel der Ausstellung ist es, die Aufmerksamkeit großer Kuratoren, Sammler und Galeristen auf Künstler zu lenken, damit ihre Werke an den Wänden außerhalb ihres Hauses hängen bleiben. Vor der Ausstellung wurde das Kunstwerk sehr öffentlich präsentiert: auf dem Hollywood Boulevard als digitale Werbetafel im Fox Theatre.

„Queere Künstler waren historisch gesehen ein sehr großer Teil der zeitgenössischen amerikanischen Kunstszene“, sagte Kapoor und verwies auf die Künstler Andy Warhol und Keith Haring.

„Wir assoziieren sie nicht in erster Linie mit ihrer Identität“, sagte Kapoor über die Künstler. „Es geht immer zuerst um das Kunstwerk, dann kommt ihre Identität an zweiter Stelle. Bei aufstrebenden Künstlern ist das Gegenteil der Fall.“

Pauls Assemblage-Stücke kombinieren Körperteile – Arme, Herzen, Penisse und Vaginas – und zerlegen sie in einen dekonstruierten Körper. Sogar die Arbeit, die er im Rahmen des Stipendiums des City of Los Angeles Individual Master Artist Project geschaffen hat und die derzeit im Barnsdall Park in East Hollywood gezeigt wird, ist untrennbar mit seiner Identität verbunden.

Eines der in der Ausstellung gezeigten Werke besteht aus Denim, den er bei Goodwill gesammelt hat, und hat die Essenz und Erinnerungen früherer Besitzer in das Stück einfließen lassen. Seine abstrakten Kreationen spiegeln die Erfahrungen farbiger Menschen, insbesondere schwarzer queerer Männer, in der Art und Weise wider, wie er die Arbeit markiert und zusammenfügt.

„Ich kombiniere meine fotografische Arbeit, meine Malerei und meine skulpturale Arbeit in einer Präsentation von Ideen, die sich mit Geschlecht, Sinnlichkeit, Sexualität und Rasse befassen – manchmal spiele ich auch nur mit Form und Komposition – was mich immer zu dem zurückführt, was ich gerade erlebe.“ in der Welt“, sagte er.

Galindos Kuration ist auch von seiner Abstammung aus der schwarzen Karibik, seinen indigenen Wurzeln und seinem Amerikanismus der ersten Generation inspiriert. Er wollte Identität und ihre Schnittstelle zu Geschlecht und Sexualität erforschen.

Um schwarze, braune und indigene Künstler zu fördern, legte Galindo Wert darauf, über die traditionellen Medien Skulptur und Malerei hinauszuschauen und „neue Formen wie Sprühmalerei, Schablonen- und Straßenkunst als praktikable Medien einzuführen, die schön sind, die es wert sind, gesammelt zu werden.“ „historisiert“ wird, sagte er.

Für die Ausstellung entfernte Kapoor ihre Privatsammlung und schmückte ihr Zuhause mit Kunst, um den Besuchern zu zeigen, wie sie die vielfältigen Kunstwerke in ihren eigenen vier Wänden ausstellen können.

„Ich möchte wirklich, dass jeder, der durch das Haus geht, es sich in einer heimeligen Umgebung vorstellt, denn das ist es, was wir anstreben und wir möchten, dass die Kunstwerke dort hingehen und geschätzt werden“, sagte Kapoor.

Durch die Erweiterung der Räume, die Kunst von LGBTQ+-Künstlern einnimmt, hofft Kapoor, dass sie eine zukünftige Generation von Künstlern inspirieren kann, so wie es bei Weiner der Fall war.

Als Weiner aufwuchs, sah er hier und da queere Künstler in Museen, von Catherine Opie bis Nick Cave, und jedes Mal bot er einen Hoffnungsschimmer.

„Meine Arbeiten wurden in vielen verschiedenen Kontexten gezeigt, aber ich war noch nicht in einer Ausstellung, in der es wirklich nur um Identität ging“, sagte Weiner. „Es ist ein so wichtiger Teil der Arbeit.“

Weiners künstlerische Arbeit erforscht das Geschlecht und die Psychologie menschlicher Beziehungen anhand textiler Porträts oft geschlechtsloser Menschen. Textilien haben bereits eine geschlechtsspezifische Geschichte, die in die weibliche Arbeit eingedrungen ist. Indem sie mit diesem Medium kreiert, strebt sie danach, „feministische Hinterlassenschaften neu zu gestalten“ und die Grenzen von Textilien zu sprengen. Weiner beginnt mit einem Foto und erstellt das Werk mit einem digital unterstützten Webstuhl. Während die digitale Seite bei den Details hilft, verändert sie einige der Bilder, um kopflose Gestalten und verborgene Identitäten darzustellen – und gibt den Körpern Handlungsspielraum.

„Sie starren uns an, aber wir können ihrem Blick nicht wirklich begegnen“, sagte sie. „Da ist unser Intellekt. Es ist unser Anblick.“

Ihre Kunst entzieht dem Körper oft Sexualität und Erotik.

„Ich denke, wenn man diese Bilder ohne Köpfe betrachtet, wird der Körper auf andere Weise zum Körper“, sagte Weiner. „Für mich ist es eine viszerale Erfahrung im Gegensatz zu einer Erzählung über zwei bestimmte Menschen, und ich wollte, dass es mehr um diesen emotionalen Zustand geht und ich möchte die gleichen Gefühle spüren.“

Für AdaLioryn können Ausstellungen wie „Decoding Americana's Queer Sensibilities“ melancholisch sein. Während die Shows selbst ein Fest sind, sind die Kreationen der LGBTQ+-Künstler oft ein Nebenprodukt des Schmerzes. Unter der Leinwand, der Keramik und dem Stoff brodelt eine tiefe Botschaft. Dies gilt insbesondere für sie als Transfrau.

AdaLioryn kreiert Keramikarbeiten, bei denen Fragilität im Mittelpunkt steht.

„Meine Arbeit basiert größtenteils auf dem Bedürfnis und der Notwendigkeit, Transsexuelle zu schützen“, sagte sie. „Ich habe vor vielen Jahren mit der Keramik angefangen und die ersten Dinge, die ich hergestellt habe, waren Waffen und Rüstungen.“

„Es ist ein Schutzsiegel“, sagte AdaLioryn über ihr keramisches Gottesauge mit eingegossenen Vogelflügeln auf beiden Seiten.

„Ich habe im Laufe der Zeit meine eigene Art der Verehrung von Formen, Siegeln und Symbolen entwickelt“, sagte sie. „Und so wurde dies als Schutzzauber gemacht.“

AdaLioryn sagte, sie habe Trost darin gefunden, ihre Arbeit Kapoor und Galindo vorzustellen, weil sie die Notwendigkeit verstanden hätten, unterrepräsentierte Künstler zu fördern. Als Trans-Künstlerin sagte sie, es sei schwer, sich einbezogen zu fühlen – nicht nur in nicht identitätsspezifischen Shows, sondern auch in LGBTQ+-Räumen.

„Es gibt eine so turbulente Beziehung zum T in LGBTQIA+, wobei ich historisch – und auch heute noch – wirklich frage, wie sich der Rest der LGBTQ für dieses T zeigt“, sagte AdaLioryn.

AdaLioryn, die im April auch eine Einzelausstellung bei Sebastian Gladstone hat, beschrieb die Eröffnung der Ausstellung als radikal, da sie so viele Künstler vor dem Kunstmarkt zusammenbrachte. „Das bedeutet im wahrsten Sinne des Wortes, etwas Historisches zu dekonstruieren und zu rekonstruieren“, sagte sie.

„Diese Fähigkeit, miteinander zu kommunizieren und an einem sicheren Ort hervorgehoben zu werden, ist neu, schön und wichtig“, fügte sie hinzu.

Kapoor sieht eine „mentale Blockade“, wenn es um die Wahrnehmung von queerer Kunst durch die Menschen geht. Bei einem Spaziergang durch ihr Zuhause werden die Betrachter alles sehen, von abstrakten Skulpturen bis hin zu Graffiti-Kunst. Einige zeigen Queerness direkt und zeigen Männer unter einem queeren Blick und schwule Paare, die sich an den Händen halten, während andere den Ton der Queerness in der klassischen Porträtmalerei beibehalten.

„Das Ziel besteht darin, dass der Betrachter beim Gang durch die Ausstellung erkennt, dass es kein Konstrukt, keine Kiste, keine bestimmte Art von Kunstwerk gibt, weil es in einer Gemeinschaft viele Arten von Menschen gibt“, sagt Kapoor sagte.